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美术馆学术主张

365bet提款_365bet 知乎_365bet在线投注乃以弘扬中国书画为主旨的民间美术馆,一直以独立的学术视角主张传统传承与时代创新并重、技法精到与情感尽致并重、审美共识与风格独特并重、艺业专攻与综合素养并重。并且创立了中国书画品鉴“四意”:意构、意笔、意象、意境。首馆深圳馆于2010年10月17日开馆,至今已拥有深圳馆、贵阳馆、北京馆三馆。

 

365bet提款_365bet 知乎_365bet在线投注主要从事书画展览、书画教学、学术研究和收藏分享。具备强大的艺术顾问阵容,优秀的策展团队和视频摄制团队。除在北京、深圳、贵阳设有独立展馆,还广泛与各文化艺术机构、艺术家、企业、媒体等建立多种合作渠道,享有良好的口碑。

中国书画创作“四并重”

 

艺术创作虽无固化标准,也要有一些准则。对优秀艺术家及作品的选择,我们遵循“四并重”的衡量标准。

 

一、传统传承与时代创新并重

 

关于传统传承问题,自古以来论述不断,基本上是厚古薄今。但历朝历代皆有人不断的突破传统,创造出新的艺术元素,给后人积累了越来越丰富的“传统”。这就是社会向前发展的自然规律。

 

试想一下,如果没有经历过初级阶段的物理等各学科的基础知识学习,能凭空造出智能机器人等现代高科技产品吗?而那些学科内容以及许多定律都是前人留下来的“传统”啊!

 

在中国书画艺术的历史长河中,古人最初以记事(数)为目的逐步完善图象或文字的造形,后加以情感审美等因素而逐步形成一些有价值的表现形式,最后由文化精英推动成为独具一格的艺术门类。这过程数千年,如果抛弃传统,企图通过自身几十年的努力,就能作出能与之比肩的艺术成果,能吗?当然这里说的是中国书画,是基于中华民族数千年形成的文化意识下的审美共识认同的艺术形式。

 

所以说传统必须传承,但也不能只当复印机,不断的丰富发展也是传统的基调。必须创新才有生命力。创新是个老话题,但怎样创新才符合时代精神呢?时代精神又是什么?这是摆在艺术家面前的新话题。

 

今日的传统是前贤们不断创新的结果,以山水为例,唐朝吴道子《八十七神仙图》将线条运用到一个高峰,五代后梁荆浩《匡庐图》创皴法突显山体质感,北宋范宽《溪山行旅图》创雨点皴及全景图式,其后郭熙《早春图》创卷云皴及题款、落款、印章图式,南宋李唐《万壑松风图》创半角图式,元“四家”、清“四王”等皆是博采古人之法而创自己之风。书法史上亦是随时代变迁而形成各种书体。所以说每个时代都有创新的诉求,创新也是每个艺术家内心的诉求。

 

当今时代是人们生活水平前所未有的提高,对美的追求不限于旧文人的情趣;而展示空间的变化也使笔墨形式更多样化。艺术家也更趋于张扬个性,题材与手法、信息与视野均空前丰富。只要不脱离中国书画“以笔墨呈意象”这个根本,就有各种创新的可能,中国书画就能永立于世。

 

 

二、技法精到与情感尽致并重

 

中国书画的旨要是“以笔墨呈现意象”,能否“心手合一”使笔能达意,需要很高的用笔技法。若不“见笔”,墨迹呆腻,书画所呈之象必不耐看。所以必须长期强化训练笔法以精到,然后不拘于法而自如运用,方能精妙,才能写形并写神。可以说任何艺术都离不开产生这门艺术之技。

 

就像诗词“借景生情”,技法这个“景”是为“情”而生的,并且要交融的。作者要将欲表达的情志理趣呈现给观者,使观者理解并产生美的联想,这才是创作的意义。

 

情感是每个人都有的,但不是每时都有的。有感而发才易出精妙的作品,“为赋新词强说愁”只会使作品肤浅,许多后继乏力者皆因生活经历及思想学习积累不够。

 

无技难以传情,有技无情则不能感人。所以要技法与情感并重。

 

 

三、审美共识与风格独特并重

 

艺术创作与艺术审美是并存的,艺术家将自己的理念通过媒介显现为作品,读者进行审美评价并产生愉悦享受。古人审美多在门类圈子中论述,近代才产生独立的美学学科,并专门研究“接受美学”。因此形成了一些审美通则,产生不同地域不同文化群体的审美共识。

 

审美共识与个人认知往往是矛盾的,且不要以“曲高和寡”拒之。真正好的作品应是“雅俗共赏”的,文化及艺术修为的人群分布如金字塔,艺术品当要金字塔顶的少数精英欣赏,再往下辐射越多层次的人读懂并赞赏就说明艺术水准越高,当然必须摒弃低俗艺术。

 

故艺术家必须学习历史传承的审美共识,如“道法自然”是通则,“含而不露”是修为;还需了解当下尽量广的群体的审美共识,如视觉的第一感受是西方艺术融合的观念等。但每位艺术家的理念与感受都不一样,并希望(也必须)将自己的风格以较高的辨识度呈现予读者。所以艺术家需要有能力融合审美共识与个人风格。

 

 

四、艺业专攻与综合素养并重

 

众所周知“术有专攻”,从事任何专业,必须要深入钻研方能探其堂奥。然而中国书画却要强调综合素养,包括其他关联艺术以及品德修为,所谓“功夫在字外”。因为中国书画具有“天人合一”的哲学思想,为了使作品有“意境”,并且能使读者有更高的审美情趣,需有不凡的“立意”。这就要求作者具备更高的思辨力及洞察力,方能创作出“神逸”的作品。比如学习诗词会提高对意境的理解,而创作诗词对作画的立意有帮助。

 

现代科学研究的突破往往得于边缘科学,所以需有“跨界”的思维。书画艺术提倡“外师造化、中得心源”,通过观察自然现象及人文活动而创造出无数可供我们学习的经典作品。今人信息更广,通过借鉴其他艺术门类及人文学科的要素,则可推陈出新,创造出具时代精神的经典作品。

中国书画鉴赏“四意”

 

中国书画源远流长,从远古时代的岩画及周、殷朝代的甲骨文始,传承发展至今,成为独立世界艺术之林的民族艺术。如何鉴赏这文化瑰宝,历代有无数论说,战国时《韩非子·外储说》就提到:“犬马难,鬼魅易”云云,公元500年南北朝南齐着名画家谢赫在《古画品录·序》提出“画品六法”:“一、气韵生动是也;二、骨法用笔是也;三、应物象形是也;四、随类赋彩是也;五、经营位置是也;六、传移模写是也”。之后历代论家也提出“六要六长”、“四格”、“四品”、“七忌”、“四难”等等,然而“画品六法”仍是品鉴各类画的重要理论,虽然“六法”当初主要针对人物画而提。

 

虽然,当代西方对视觉艺术的审美观也引入到中国书画的鉴赏理论中,但文化的差异使其只可借鉴不可套用,况且其自身尚待完善。

 

在此根据前人经验提出“中国书画品鉴四意”(书画同源,均可通品),以供同道参考并指正。

 

一、意构

 

意构,对内容及形式的个体思维形成作品的构设、布局。意构对作品的高下起主导作用,当然在创作中的随机生发也很重要。

 

作者创作前想表达什么?如何表达?均需思考,不能届时信笔由之。“作画须先立意,若先不能立意而遽然下笔,则胸无主宰,手心相错,断无足取。夫意者,笔之意也,先立其意而后落笔,所谓意在笔先也。”(清·郑绩《梦幻居画学简明·论意》)。所以先立意(表现什么?)再构思图式笔墨(如何表达?),通过形象思维与逻辑思维交融,“迁想妙得”,殚精竭虑往往能激发潜意识的灵感,然后以意使笔,方得意象。若东拼西凑,甚至画完了也不知该题什么款,再小心收拾也于画无济。

 

清代方熏在《山静居画论》里说得好:“作画必先立意以定位置,意奇则奇,意高则高,意远则远,意深则深,意古则古,庸则庸,俗则俗矣。”能否立意高古深远,则要看作者的学养修为了。如王羲之以清朗小楷展现乐毅政论,以遒丽行书表现兰亭雅集;又如倪瓒以萧散简远传达淡泊之心等等。

 

二、意笔

 

意笔,有意蕴的笔墨。

 

“书者,心迹也”,书画者心中之象,需通过笔墨于纸上呈现。同样的构图(经营位置),如何才能“气韵生动”?这就需要纯熟高超的笔墨技法了。大概国人能者较多,在艺术形式上要设“难度分”以分高下,如诗词的格律、书画的软笔等等,当然这些“脚链”都会增加“舞美分”。犹如同样是十米高台跳水,就以动作难度与美感分高下。

 

唐·张彦远《历代名画记》指出:“夫象物必在于形似,形似须全其骨气。骨气形似,皆本于立意而归乎用笔,故工画者多善书。若气韵不周,空陈形似;笔力未遒,空善赋彩,谓非秒也”。这强调了“骨法用笔”的重要性,也可以说如果书法不入流,画必不耐观。

 

中国书画是最倚重线条的艺术,线条的长短粗细变化如音阶节奏,浓淡如音色,整体就是旋律,可以表达书画的情趣。而作品的视觉主观感受在五代后梁时荆浩《笔法记》中已有论述:“凡笔有四势:筋、肉、骨、气,笔绝而不断谓之筋,起伏成实谓之肉,生死刚正谓之骨,迹画不败谓之气。故知墨大质者失其体,色微者败正气,筋死者无肉,迹断者无筋,苟媚者无骨。”

 

因此赏书画需看用笔,能否驱笔运墨使之浓淡分明、干湿得宜、色墨互不碍等;以提按、用锋、控速等手段完成点、线的起、行、转、折、收等;这就谓之“见笔“。若不“见笔”,则不能称为中国书画,可称为当代水墨艺术。有些人打着创新旗号,曲解“无法之法,乃为至法”(清·石涛语),当不可取。

 

细观吴昌硕、齐白石等大师作品,皆笔法精微、气韵生动,值得反复品赏。至于笔法对书法的重要性就更不用说了。

 

三、意象

 

意,情志理趣;象,形也。

观者鉴赏的作品皆为象,此象就是形;而作品表现的情、志、理、趣即为意,意之上佳者谓之神。好的作品应形神兼备,也就是要情景交融。意象是作品审美的广度。

 

我国古人在两千多年前即已提出形神的审美概念,战国时荀子《天论》中就说“形具而神生”;东晋名画家顾恺之首倡“以形写神”,后代有成就的画家均奉行“以形写神,以神为上”,并强调“形若不逮,神将焉附”,逐步形成了“形神论”的创作观。明代王履《畸翁画叙·华山图序》归纳得好:“画虽状形,主乎意,意不足,谓之非形可也。虽然意在形,舍形何所求意?故得其形者,意溢乎形,失其形者,形乎哉?”

 

北宋苏东坡有一首题画诗首句即说“论画以形似,见与儿童邻”,看似反对形似,但该诗结句“谁言一点红,解寄无边春”,其实是强调以形写神、以景寄情的重要性,当然这“形”是经过提炼的“一点” 。故品赏书画时,虽不重形,但不能失形,太似易生匠气,不似则为欺世,重要的是要有神采。人物的神是内在的精神气质,山水的神是汇聚的生机气象,花鸟的神是造物的寓意韵致,书法的神是点划的笔力态势。所以画品六法强调“应物象形”、“随类赋彩”,而这些都需要不断的“传移模写”才能得心应手。

 

书画可以分四品:逸品、神品、妙品、能品。能品:笔法、章法、理法皆备,然缺少独特的艺术语言及风格,可观也;妙品:笔精墨妙、情意交融、自出机杼,可珍也;神品:思微神周、意新体奇、生机华滋、气象不凡,观之如入庙见神,可传世也。逸品:得神来之笔,无意为而为之,笔简形具、情趣盎然、气韵生动,非逸者不可为,可滋心也。神品、逸品各有取向,不必强分高下。

 

四、意境

 

意境,《辞源》:“指文艺创作中的情调、境界”。意为情与理之融,境乃形与神之合,表现了作品审美的深度。

 

书画家化形为象征,化实为虚,作品呈现象外之象(画外之音),画中有无穷的诗意,这就是意境。如北宋梅尧臣所述“状难写之景,如在目前,含不尽之意,见于言外”。就是一种难以用语言阐述的意蕴和境界。

 

意境是艺术审美的重要学说,早在公元1100年,宋代郭熙就有对山水画意境的论述:“见青烟白道而思行,见平川落照而思望,见幽人山阁而思居,见岩扃泉石而思游。看此画而令人起此心,如将真即其处,此画之意外妙也!”。自古以来,意境已成为我国文学艺术的最高的评判标准。在公元1800年后,德国黑格尔奠定了西方美学的基础,他提出了“美就是理念的感性呈现”,是理念(内容与意蕴)与感性呈现(表现形式)的统一,这个学说对意境审美有借鉴作用。

 

黑格尔的哲学思想是唯心的,但其美学思想有辨证思维。正如唯物主义认为“实践是认识的基础,认识是实践的主导”,人类通过实践总结了美学的认识,又通过认识指导创作实践。所以艺者需有深厚的学养,玄微的构思,精妙的笔墨,才能创作出有意境的作品。观者需有审美的能力,并具备一定的阅历学识,游目骋怀,澄怀味象,方能触景生情,心生共鸣,无限遐思,或顿启禅哲,或茫生惆怅。这就是对意境审美的意义。

 

书画的意境于作者创作时立意与意笔共生,创作状态如孙过庭云:神怡务闲、感惠徇知、时和气润、纸墨相发、偶然欲书。故“四意”俱佳的作品只有极少作者能为之,而能为者也仅有极少作品能达到,这有待品鉴者识之。